Né en 1974 à Saumur, vit et travaille à Paris
Le travail de Guillaume Constantin, né en 1974, se construit à partir d’anachronismes. Que ce soit dans les choix de matériaux (souvent semi-transformés), de types de supports, dans les sources utilisées ou bien les prélèvements et les déplacements qu’il propose, se pose la question de la matérialité de l’objet qui renvoie inévitablement à celle de
l’oeuvre d’art et de ses dérivés quotidiens.
Se déploient ainsi des oeuvres à la géométrie ambiguë qui ricochent les unes sur les autres en devenant tour à tour un jeu sur le médium, le support, un hommage, un détournement, une réappropriation.
Dernièrement, sa pratique de l’exposition procède d’un long jeu de construction où les contextes, les rencontres, les collaborations viennent modeler les propositions sculpturales qu’il fabrique alors spécifiquement. La matérialité de celles-ci amplifiant les jeux de tiroirs déjà engagés en amont.
Ainsi les displays intitulés Fantômes du quartz agissent quasiment comme les miroirs matériels des Everyday ghosts, photographies issues de la série éponyme. Des enjeux mémoriels et d’actualisations s’engagent ici fortement autour de ces questions de matérialités, de techniques et de contexte qui s’entremêlent pour mieux s’ouvrir.
Appropriation, recyclage, détournement et autres déplacements, transformations voire déformations habitent l’œuvre de Guillaume Constantin. Développant un travail essentiellement sculptural et d’installation, il conçoit régulièrement des displays ou réalise des interventions sur des dispositifs d’exposition préexistants, notamment muséaux, interrogeant le rapport à l’œuvre ou à l’objet, sa collection et ses modes de monstration comme de circulation, son histoire, au sein de différents contextes pouvant mettre en tension conservation et disparition, visibilité et absence. L’artiste remet ainsi littéralement en jeu l’exposition en même temps qu’il en propose une réécriture et une relecture, convoquant la mémoire et les traces du passé.
R.Brunel, A.Marchand et A-L. Vicente

Il a participé à de très nombreuses expositions collectives en France et à l’étranger et a, en outre, déjà bénéficié de plusieurs expositions personnelles dont notamment en 2014, PENSER LES OBJETS PAR LES BORDS au MAC/VAL à Vitry sur Seine, SI PERSONNE NE ME VOIS JE NE SUIS PAS LÀ DU TOUT au Cryptoportique de Reims dans le cadre de la
programmation hors-les-murs du FRAC Champagne-Ardenne ou encore LA CONSTANTE DES VARIABLES au CRAC-Languedoc-Roussillon à Sète (commissariat Noëlle TISSIER).
Programmateur arts visuels des Instants chavirés à Montreuil, il mène également des projets en tant que commissaire d’exposition.
Il est représenté par la galerie Bertrand Grimont depuis 2011.

Né en 1979 au Mans.
Simon Boudvin a étudié aux Beaux-arts de Paris dans l’atelier de Giuseppe Penone et à l’école d’architecture de Paris-Malaquais. Il enseigne depuis 2007 dans différents établissements et actuellement à l’École nationale supérieure de paysage. Son travail émerge à la croisée de ces différents champs, attentif aux mutations des territoires qu’il parcourt. Il procède tantôt à leur relevé détaillé, tantôt à leur reconstitution, à l’exercice de leur description, à leur photographie. Ils font la matière de ses livres (Tyndo de Thouars, éditions P, 2015 ; Col de l’échelle, éditions P, 2018 ; Un nouveau musée, co-édition MER/Accattone, 2019 ; Ailanthus Altissima, éditions B42, 2020).
Ses travaux ont été présentés dans différents centres d’art en France (La Salle de bain, Lyon, 2010 ; Les Églises, Chelles, 2011 ; CREDAC, Ivry, 2012 ; CRAC Alsace, 2016 ; MRAC, Sérignan, 2016 ; Les Capucins, Embrun, 2018 ; SHED, 2019) et à l’international (Form Content, Londres, 2008 ; Project Art Center, Dublin, 2015 ; Extra City, Antwerp, 2016 ; Kunstraum, Düsseldorf, 2016 ; Fondation Eugenio Almeida, Evora, 2017 ; MAC, Montréal, 2017).

Jochen Dehn, né en 1968, vit à Paris.
Sa pratique de performer prend les formes variées de performances théâtrales en appartement (2004), de combats dans la boue (Mud, 2005), de pièce pour actrice et éléphant (2005), de jeu avec les détecteurs de présence du Louvre (Liquid, 2006) ou d’un hommage à l’invention du velcro (I am you as an explosion, 2005). Par la mise en jeu du corps et de l’espace concret qui l’entoure, Jochen Dehn élabore des formes et des stratégies qui tendent à toujours mieux révéler des zones de contact et ainsi, à réduire la distance qui sépare les corps de ses possibles collisions. Il collabore régulièrement avec Frédéric Danos, Rekolonisation ou Gelitin entre autres.

Charlie Hamish Jeffery, né à Oxford en 1975, vit et travaille à Paris et Chassaygne (Bourgogne).

Son œuvre, animée d'humeurs et de forces contraires, entre croissance et destruction, pouvoir créateur et laisser-faire, prend des formes multiples, sculpture, peinture, poésie et performance en sont des composantes majeures. Il est diplômé de la Fine Art School of Reading University (Royaume-Uni).
Il a participé à de nombreux programmes de performances et expositions collectives en France et dans le monde, dont plus récemment au FRAC Nord-Pas de Calais (2017), au Centre d'art Les Capucins à Embruns ( 2016) ou Le nouveau festival au Centre George Pompidou (2015) Il a eu plusieurs expositions personnelles dont Le Quartier CAC à Quimper (2011) à la galerie Florence Loewy (2016, 2017,2018) à la Kunsthalle Lingen en Allemagne (2016) et récemment "La plupart des gens se trompent sur les choses '' à La salle de bains, à Lyon (2018)

Né en 1973 à Paris, vit et travaille à Eymoutiers.
Depuis sa sortie de la Jan Van Eyck Academie (Maastricht, Pays-Bas), son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles : à la galerie Marcelle Alix à Paris, chez Jhaveri Contemporary à Bombay, à la Maison des Arts Georges Pompidou à Cajarc, à la galerie Edouard Manet à Gennevilliers, au Palais de Tokyo. On a également pu voir ses œuvres dans les collections du Centre Pompidou à Paris, à la Biennale d’Art Contemporain de Rennes, au Carré d’art de Nîmes, au Crédac à Ivry-sur-Seine, à la Villa Arson à Nice, à la Fondation Ricard à Paris. Il est également commissaire d’expositions (« Apartés » au Musée d’art moderne de la ville de Paris, « Être Chose » au Centre international d’art et du paysage de Vassivière).

Né en 1974 à Grenoble, vit et travaille à Paris

Le travail, le management, l’économie, la politique, les dispositifs de contrôle, les technologies de pointe, l’industrie culturelle sont autant de « mondes » dans lesquels s’immisce la pratique de Julien Prévieux. A l’instar des Lettres de non-motivation qu’il adresse régulièrement depuis 2000 à des employeurs en réponse à des annonces consultées dans la presse, détaillant les motivations qui le poussent à ne pas postuler, ses œuvres s’approprient souvent le vocabulaire, les mécanismes et modes opératoires des secteurs d’activité qu’elles investissent pour mieux en mettre à jour les dogmes, les dérives et, in fine, la vacuité. Adoptant sciemment la posture de l’individu confronté à des pans entiers de la société qui, à bien des égards, se retrouvent déshumanisés, Julien Prévieux développe une stratégie de la contre- productivité, ou de ce que le philosophe Elie During nommait, dans un récent texte sur sa pratique, le « contre-emploi ».
Christophe Gallois

Né en 1982 à Vicenza en Italie. Vit et travaille à Nantes.
"Je pourrai essayer d'expliquer rationnellement pourquoi je m'intéresse à cette pente plutôt qu'à une autre, mais je préfère admettre que j'en suis tombé amoureux, et considérer mon travail comme une déclaration d'amour envers elle ».
Diplômé de l’École des beaux-arts de Nantes en 2007, Ernesto Sartori développe un univers fantasmagorique dont les règles spatiales ont la précision d’une recherche scientifique. Son travail est un jeu de représentations et de constructions, la rencontre inopinée de l’architecture, des mathématiques et de la fiction : une allégorie où chacun des personnages et des visiteurs semble être à même de définir son propre rôle, selon sa propre liberté d’action. L’artiste conçoit ses sculptures en bois comme les modules d’un espace architectural plus vaste, réalise des objets aux fonctions nouvelles ou inconnues et produit des dessins aux couleurs vives qui mettent en scène des personnages dont les silhouettes seraient humaines et animales, arachnéennes, rampantes ou bondissantes.

Née en 1970 à Grasse, vit et travaille à Paris.
Inspirée par son environnement immédiat, Virginie Yassef prend un plaisir enfantin à dévoiler l’étrange beauté du monde qui nous entoure. Ses Scénarios Fantôme documentent des fragments de ce monde. Le titre même révèle la qualité éthérée et magique de ces oeuvres, qui consistent en de petites photographies souvent montées ensemble. Yassef traverse le paysage urbain comme un fantôme dérobant des «moments» pris au hasard avec son objectif. Chacune de ces images, minimales et pourtant fortement évocatrices, montre une partie d’une histoire en train de se dérouler. Le sens de l’intuition et de l’enthousiasme est également présent dans l’oeuvre Passe-Apache, un rocher hyper réaliste, réalisé en résine et à l’apparence étonnamment légère, que l’on pousse et qui révèle alors un passage secret. La conception de la réalité de Yassef repose toujours sur la ction. Le désir de transformer la réalité est en effet la base de la plupart de ses travaux. Comme elle l’af rme elle-même «c’est important de ralentir la vie. Ou de l’accélérer. En tout cas, de lui donner une autre qualité.» Dans ses vidéos, les gestes simples ont une apparence burlesque et les scènes de rue banales deviennent poétiques. En créant cet univers onirique, Yassef nous invite à être plus attentifs. L’oeuvre de Yassef a souvent pour point de départ des objets du quotidien, qu’elle détourne de façon ludique et ironique renversant littéralement l’idée convenue que le regardeur a de ces objets. Ceci est particulièrement évident dans sa sculpture Billy Montana, dont la combinaison entre l’étagère standard Ikéa – Billy – la plus vendue au monde et la marque de peinture aérosol – Montana – détourne le mode utilitaire de ces objets. En utilisant les 58 planches comprises dans le kit, l’étagère devient ainsi vaine, de même que la peinture, symbole de rébellion (jadis le médium privilégié des taggers et graffeurs), devient un outil d’industrialisation et de standardisation. Visuellement séduisant, l’absurdité de cette étagère inutilisable n’est pas seulement drôle mais également subversive. Yassef, avec un humour singulier, montre alors une fascination pour l’irrationnel et l’incongru.